예술 + 디자인. 재치, 유머 및 WOW

뉴욕의 추운 XNUMX 월 저녁, 수천 명의 훌륭한 예술 감정가, 수집가, 갤러리 소유자 (및 직원), 인테리어 디자이너 및 훌륭한 칵테일 파티와 멋진 오브제 다트를 좋아하는 사람들이 공원에 모였습니다. Avenue Armoury to OMG, OOO 및 AhAha에서 자선 단체 (Dia Art Foundation 및 Planned Parenthood NYC 포함)를위한 자금을 모금하기 위해 훌륭한 아름다움 (그리고 훌륭한 가격)의 원본 작품에 대해. Ruinart, Goyard, Lalique 및 InCollect가 이벤트 스폰서로 참여했습니다.

11 개 국제 갤러리의 30 개국 (미국, 유럽, 영국, 독일, 벨기에, 프랑스, ​​덴마크, 이탈리아, 모나코, 네덜란드, 남아프리카 공화국, 스페인 및 스웨덴 포함)의 19 명의 갤러리 소유자가 글로벌 접근 방식을 제시했습니다. 모더니즘에. The Salon은 (구매 및 감탄을 위해) 역사적, 현대적 및 현대적인 가구, 독창적 인 디자인 및 20 세기 후반의 예술을 전시했습니다.

 창조 경제의 가치

2015 년 미국의 예술 및 문화 생산 가치는 763.6 억 달러로 국내 총생산의 4.2 %에 해당합니다. 예술은 건설, 광업, 보험, 숙박 및 음식 서비스 산업보다 국가 경제에 더 많이 기여했습니다.

• 크리에이티브 아티스트는 미국의 경제적 자산이며, 2015 년에는 아티스트 덕분에 미국은 예술과 문화 상품에서 20 억 달러의 무역 흑자를 기록했습니다 (미국은 63.6 억 달러를 수출하고 42.6 억 달러의 예술과 문화를 수입했습니다).

 

• 창조 경제의 소비자들은 상품과 서비스, 입장권, 음식, 숙박 및 선물을 포함하여 예술에 102.5 억 달러 이상을 지출합니다 (2017).

 

• 예술 및 문화 부문은 많은 일자리를 제공하며 (4.9 년에는 2015 만 명), 전체 미국 일자리의 3 %를 차지하며 총 372 억 달러를 근로자에게 지급했습니다.

예술에서 번영하는 국가

주 중에서 예술은 워싱턴 경제에서 가장 큰 비중을 차지하는 7.9 % (35.6 억 달러)입니다. 영화와 텔레비전 산업에 의존하는 캘리포니아의 예술 경제는 174.6 억 달러 (7 %)로 주 중에서 가장 많은 돈을 벌어들입니다.

뉴욕은 두 범주 모두에서 114.1 위를 차지했으며 예술은 경제에 7.8 억 달러 (462,584 %)를 가져 왔습니다. 뉴욕주의 46.7 명의 예술 노동자들은 총 2015 억 달러를 벌었습니다 (XNUMX 년).

델라웨어는 주 경제의 1.3 % 인 900 억 달러에 불과한 예술에 가장 적게 의존합니다.

이벤트 : 살롱 아트 + 디자인 쇼

많은 예술가들이이 행사에서 자신의 최신 작품을 선 보이기 때문에 예술계의 "해야 할 일"목록의 맨 위에 표시됩니다. 나는 전시 된 거의 모든 작품을 얻고 싶었지만 시간, 공간 및 제한된 자원으로 인해 이러한 활동을 금지합니다. 하지만 "내가 좋아하는 몇 가지"를 추천 할 수 있습니다.

선별 된 선택

1. 몰리 해치. Todd Merrill & Associates Studio. 뉴욕

Molly Hatch는 현대 미술에 WOW를 제공합니다. 그녀는 진부했던 것 (벽 – 1940 년대에 인기있는 그림을 그렸다)을 변형시키고 개념을 밀레 니얼 라이프 스타일 (모바일, 자유롭고 변하기 쉬운)에 맞는 수집 가능한 예술 작품으로 바 꾸었습니다.

행잉 플레이트는 장식용 식기를 전시하는 전통적인 방법이었으며 유럽에서 아시아에 이르기까지 많은 문화의 일부였습니다. 수세기 전, 집에있는 정교한 접시 전시는 부와 높은 사회적 지위의 표시였습니다.

오늘날 Hatch는 자신의 접시를 벽에 걸면 관찰하고 감탄할 수 있도록 디자인합니다. 그녀의 특대하고 색상 중심의 입맛은 시청자가 새로운 것과 현재를 재고하도록 장려합니다. 평범한 것이 이제 특별합니다.

Hatch는 1978 년에 태어났습니다. 그녀의 어머니는 화가 였고 그녀의 아버지는 유기농 낙농가였습니다. 그녀는 매사추세츠 주 보스턴에있는 박물관 학교에서 BFA를 취득하면서 그림과 도자기를 공부했습니다. 대학 졸업 후 그녀는 버몬트의 도예가 미란다 토마스와 함께 일했으며 미국과 서인도 제도에서 도자기 레지던시를 계속했습니다. 그녀의 도자기 MFA는 볼더에있는 콜로라도 대학교에서 졸업했습니다. 2009 년에 그녀는 위스콘신의 John Michael Kohler 예술 센터에서 도자기 예술 / 산업 레지던트를 받았습니다.

Hatch는 현재 매사추세츠 주 노 샘프 턴에있는 홈 스튜디오에서 일하고 있습니다. 도자기 외에도 작가이자 아티스트 디자이너이며 패브릭 패턴, 가구, 보석, 판화, 펜 및 잉크 그림, 그림을 만듭니다. 그녀는 직물, 글꼴, 도자기 및 가구의 역사적인 트렌드에서 영감을 받아 힙합, 인디 노래 가사, 문자 메시지 및 수집 된 콜로키움을 포함하는 현대적인 라이프 스타일을 인정합니다.

2. Hubert Le Gall. XNUMX 세기 갤러리

 

프랑스 디자이너 Hubert Le Gall은 1961 년 리옹에서 태어났습니다. 그는 대학에서 경영을 전공했고 졸업 후 파리로 이사했습니다 (1983). 1988 년에 그는 그림과 조각을 시작하여 경계 스패너 인 가구 조각을 디자인하고 시적과 환상을 기능적인 것과 연결했습니다.

그는 초현실적이지만 그리스와 로마 문명, 프랑스 18 세기, 제국, 아르누보, 아르 데코 시대에 대한 속삭임 (그리고 외침)에서 영감을 받았습니다. 그는 또한 Salvador Dali, Jean Cocteau, 초현실주의 자 및 Max Ernst에게서 영감을 받았습니다.

그의 작품은 1995 년 갤러리 소유자 인 Elisabeth Delacarte가 발견하고 홍보하면서 국제적인 박수를 받았습니다. 그의 첫 번째 전시회는 Parisian Galerie Avant-Scene에서 열렸으며 전시 된 작품 (데이지 테이블과 꽃 변기 포함)은 그의 대표 작품으로 소중하게 여겨졌습니다.

3. 리치 음 니시. 남아프리카

 

남아프리카에서 태어난 Rich Mnisi는 2014 년에 사업을 시작했습니다. 그는 패션 과학 분야의 리더로 알려져 있으며 올해의 아프리카 패션 국제 젊은 디자이너 (2014)로 인정 받았습니다.

Mnisi의 매혹적인 가죽 의자는 그의 증조모의 존재를 대표하는 Nwa-Mulamula (The Guardian)의 모양을 취합니다. 스토리 텔링을 통해 대대로 영원히 지속되는 것은 그녀의 존재와 그녀의 가르침입니다. 금 웅덩이가있는 눈 모양의 의자”는 결코 헛되지 않은 그녀의 눈물을 나타냅니다. 그녀의 고통과 경험이 없었다면 나는 존재하지 않을 것입니다. 나는 오늘의 사람이 될 수 없었다”(Rich Mnisi).

감각적 인 형태는 시대를 초월하며 그 본질은 보편적으로 매력적이면서도 독특한 아프리카입니다.

4. Reinaldo Sanguino. 퓨처 퍼펙트 갤러리. 뉴욕시.

 

Reinaldo Sanguino는 베네수엘라에서 태어나 현재 뉴욕에서 일하고 있습니다. 그의 예술과 세라믹 작품은 그의 환경의 활기에 경의를 표하며, 각각의 독특한 작품은 구조와 캔버스 모두에 점토의 매체를 사용합니다.

Sanguino는 베네수엘라 카라카스에있는 Cristobal Rojas 시각 예술 학교를 졸업했습니다. 그는 Meissen 도자기에 대한 관심과 유럽 역사에서의 중요성을 바탕으로 기술을 개발했습니다. 그는 그래피티에서 영감을 받고 영향을 받았습니다. 스타일 페인팅과 그의 작품은 생생한 색상, 질감 및 가단성 소재로 인해 주목을받습니다.

2007 년 루이 컴포트 티파니 비엔날레 상 후보로 선정되었으며, 뉴욕에서 열린 엘 무 세오 델 바리오 제 5 회 2007-2008 비엔날레, "(S) 파일"에 참여한 아티스트 중 한 명이었습니다.

Sanguino의 작품은 Dean Project New York의 일환으로 술탄 갤러리에 전시되었습니다. 뉴욕 예술 및 디자인 박물관; 텍사스 휴스턴에있는 미술관; 노스 캐롤라이나 주 샬럿에있는 MINT 박물관과 미네소타 주 미니애폴리스에있는 미니애폴리스 미술관이 있습니다. 그는 The Future Perfect (2017)로 디자인 마이애미 / 데뷔를했습니다.

5. 파멜라 사브로 소, 앨리슨 시겔. 헬러 갤러리. 뉴욕

Pamela Sabroso는 Virginia Commonwealth University (2007)에서 공예 및 재료 연구 학사 학위를 받았으며 Alison Siegel은 Alfred University (2009)에서 미술 학사 학위를 받았습니다. 현재 그들은 뉴욕 브루클린에서 살고 일하고 있습니다.

그들은 2014 년에 함께 일하기 시작했습니다. 자신의 아이디어가 그림, 토론, 긴밀한 협력의 물리적 특성을 통해 나타나고 통합된다는 사실을 발견했습니다. 공동으로 그들은 모험심이 넘치고 그들이 만드는 각 개체에 새롭고 독특한 품질을 가져옵니다. 최종 작품은 재미 있고, 영리하고, 생기 있고, 색다른, 사랑 스럽습니다. 21 세기에 확실히 일하고있는 그들은 초기 American Studio Glass 운동에 뿌리를 둔 창조적 인 자유를 공유합니다.

노동 집약적 인 작업은 유리 불기 용 부품 및 왁스 몰드 제작에서 시작하여 유리 불기까지 확장됩니다. Sabroso는 Siegel과 그녀의 작업을 논의하면서“… 창의적이 되려면 자신을 취약하게 만들어야합니다. 자신이 누구인지 정직하면 독특하고 이상한 관점을 드러냅니다. 우리의 결합 된 창조물은 함께 낯선 사람입니다.”

6. 프랭크 로이드 라이트. 버나드 골드버그 미술. 뉴욕

Wright는 1867 년 위스콘신 주 Richland Center에서 태어났습니다. 70 년의 건축가 경력 동안 Wright는 1100 개 이상의 디자인을 만들었습니다. 그는 위스콘신 대학 (1885)에 입학하여 토목 공학을 공부했지만 곧이 분야에 만족하지 못했습니다. 조셉 실 스비 (Joseph Silsbee)에서 Unity 채플 건설을 위해 일했을 때 그는 건축에 대한 열정을 깨닫고 시카고로 이주하여 건축 회사 인 Adler와 Sullivan에서 견습생으로 일하면서 Louis Sullivan (1893)과 직접 작업했습니다.

그런 다음 일리노이 주 오크 파크로 이주하여 자신의 홈 스튜디오에서 작업을 시작하여 Prairie School of Architecture로 알려진 천연 재료에 초점을 맞춘 그리드 유닛에서 개발 한 디자인 시스템을 개발했습니다.

1920 ~ 1930 년대에 그는 가르치고 글을 쓰는 데 시간을 보냈습니다. 1935 년에 그는 가장 유명한 주거 디자인 인 Fallingwater에서 작업하기 시작했습니다. 1940 년대에서 1950 년대까지 그는 중산층 주거 옵션을 제공하는 민주적 건축에 대한 자신의 믿음을 반영한 Usonian 디자인에 집중했습니다.

1943 년에 그는 뉴욕의 솔로몬 R. 구겐하임 미술관을 디자인했습니다. 박물관은 그가 사망 한 지 1959 개월 만인 XNUMX 년에 문을 열었으며 그의 가장 중요한 작품으로 알려져 있습니다.

뉴욕의 버나드 골드버그 미술관은 1998 년 뉴욕 ​​변호사에 의해 시작되었습니다. 오늘날 갤러리는 Ashcan, Modernist, Urban Realist, Social Realist 및 Regionalist 회화, 조각 및 종이 작품을 포함한 American Art (1900-1950)를 전문으로합니다.

이벤트에 참석하는 Hoi Polloi

 

2019 년 XNUMX 월에 살롱을 찾으세요. 일찍 예약하세요. 예술과 디자인의 세계를 매력적으로 여기는 모든 사람들을위한 멋진 이벤트입니다.

© Elinor Garely 박사. 사진을 포함한이 저작권 기사는 저자의 서면 허가없이 복제 할 수 없습니다.